4 October 2025
GQ Hong Kong 專訪 YDC VIP 評審，英國品牌 Charles Jeffrey LOVERBOY 同名創辦人 Charles Jeffrey
香港青年時裝設計家創作表演賽 YDC 2025 圓滿落幕，每一次的專業評審團都雲集業界重量級人馬，今年更由英國品牌 Charles Jeffrey LOVERBOY 同名創辦人兼鬼才設計師 Charles Jeffrey 擔任 VIP 評審。他於 2015 年成立同名品牌，在短短兩年間便贏得英國時尚大獎新銳男裝設計師獎，並先後與 Fred Perry、Converse 和 Wedgwood 等知名品牌展開聯乘，以其戲劇性的風格席捲全球。品牌理念從地下酷兒派對文化起步，美學融合蘇格蘭歷史、反叛龐克、角色扮演元素、少數族群被忽視的聲音與無盡的喜悅，並不斷挑戰自己與大眾的底線。現在 Charles Jeffrey LOVERBOY 來到第 10 年，下一步又會夢遊怎樣的仙境，設計師熱情地與 GQ Hong Kong 娓娓道來起源故事、創作核心理念與香港之旅的感受。願大家永遠像他般保持無畏的歡樂精神！
Photography: Jackal Tsoi, Mathew Tang
在開始之前，我想先問問你對香港的感覺如何？
我愛香港。這是我第一次來到，我真的很喜歡這座城市的布局，喜歡那些有點破舊的歷史建築與新式大廈緊鄰著；喜歡傳統的港口與摩天大樓並存。這對我來說非常有啟發性，或許會做一個以香港為靈感的系列。我非常想深入了解這座城市，或許看看一些這裏的電影。
擔任 YDC 的 VIP 評審感覺如何？
我感到非常榮幸，這讓我意識到品牌已經成長到一定程度，才會被邀請擔任評審。我看到了之前擔任過的名單，包含 Vivienne Westwood 和 Martine Rose 等等，所以我非常感激能名列其中。而且我覺得自己有很多東西可以與參加者們分享，所以我很開心能來這裡提供建議，與他們交談並解答疑問。同時，我也有機會認識全新的年輕設計師，以及他們如何透過設計來看待當今世界，所以我感到非常感激。
在來香港之前，你對香港時尚產業的期望是什麼？
我認為香港非常創新，它擁有許多傳統價值，但同時也擁抱現代性，是一個包容多元文化的旅遊城市。所以我期待看到許多文化拼貼的參照、舊與新的交融、時尚與紡織的創新連結，以及一種源於靠近眾多工廠與行業的工藝性。我對一些設計感到非常驚喜，無論是對性別流動性與性別關係的詮釋，還有對現代世界與科技的探索也非常出色。
談到給年輕參賽者的建議，你認為設計概念中最重要的元素是什麼？
我會說是理解事物如何製作而成，工藝非常重要。而且我認為社群非常重要，不僅是養成你的創造力與靈感，還包括品牌建立的執行運作。品牌如何向外溝通？與之合作來傳達訊息的藝術家是誰？是攝影師、造型師、化妝師和髮型師等等，所有這些人，如果他們是你的朋友，或者是你喜歡與之合作來推動自己的人，我認為這會產生某種非常有趣的東西。當我開始時，我的社群令自己的品牌為人所認識，所以我認為複製那個模式也很重要，因為它能幫助你達到你想要的方向。
你如何創立 Charles Jeffrey LOVERBOY？ 請告訴我們當時的願景。
我在 Central Saint Martins 畢業後不久創立了自己的品牌。當時的我正在攻讀碩士，但同時我也開始了一個名為 Loverboy 的俱樂部之夜。所以我有點夜生活的名聲，那些有點魯莽且充滿創意的夜晚。我認為那個故事是把我帶入時尚圈的導火線。而且，從那時起，我們就擁抱了品牌中的許多不同元素，像我的蘇格蘭血脈、那裡的傳統格紋、藝術的融入、許多插畫與角色，然後還有性別流動，以及酷兒如何以不同形式表達自己，像男裝與化妝結合的摩擦力。
你如何看待表演藝術與其他形式在時尚中扮演的角色，特別是透過品牌的秀場？
時裝秀是將許多人帶到一個空間去欣賞某種美麗的事物。我參加過許多時裝秀，並且感到非常沉悶，看着人們穿著衣服走下來，在第三或第四個模特兒之後，你就忍不住開始想，這很無聊。所以當我開始做秀時，只是想這是我娛樂觀眾的機會，並展示時尚可以真正成為表達情感與身份的載體。表演是推動這些想法更進一步的絕佳工具。你想讓人們感覺到某種東西，並被感動。我認為像音樂、舞蹈、演戲，或者任何除了步行外的表達形式，是一個絕佳途徑向人們展示你的概念。每個人都有他們的處理方法，時尚作為產品、策展或者雕塑，而對我來說，時尚則是作為表演。
系列背後的故事敘述與概念是如何凝聚在一起的？
這是將靈感和資料蒐集凝聚在一起的絕佳方式。我認為每一個人都是 storyteller，這是一種人類的共同特質。我們為了處理資訊，透過說故事來明白在不同情況下該做什麼。如果我在思考或感覺某種東西，或者在觀察周圍的世界，我會透過創作某種方法論、故事或世界觀來回應。譬如如果我被 20 年代的風格所啟發，再聽著硬核龐克音樂，如何讓這兩個世界融合在一起？我認為這是關於建構不同靈感能夠共融的世界，也能讓團隊更沉浸和投入。如果團隊裡的人也被故事所吸引，大家一起吸收再創作，生產力也會提高。而且我認為像迪士尼、寵物小精靈與星際大戰的存在是永恆且反常地有創意，因為它們背後有故事與意義在背後，與大眾產生聯繫。例如像山本耀司的品牌創作高度概念性的作品，但他創造的故事總有一個女人與男人貫穿其中。這是一個演變了數十年的故事，一個有幽默感但非常傳統的男人與一個高度挑釁、情感且詩意的女人，那個「故事」應該是更大、更概念性的，或者有時非常簡單，我覺得這些是將人們更帶入品牌的好方法。
你能分享在 LOVERBOY 的創作過程中，一次失敗轉變為突破的時刻嗎？
當 COVID 發生時，我們都隔離在自己的家中。所以，我們必須想出時裝秀以外的方式來發佈造型。這對我們來說是個巨大的挑戰，不過讓我意識到像美術指導、平面設計、印刷與攝影的力量。之前，我們只是把這些視為用於行銷的外部產物，但實際上它們亦是能傳遞品牌美學的藝術表達。我們與 Tim Walker 做了一個項目，達到非常成功的效果。跟隨那時做了盒子秀的 Jonathan Anderson，我們不斷在思考使用平面媒介的各種方式，來讓人們體驗我們的品牌。
如果 LOVERBOY 要與一個完全不同媒介的藝術家合作，你會選擇誰，以及你會創造什麼？
我一直想與影像創作者 Chris Cunningham 合作。他與 Aphex Twin、Björk 這些偉大的音樂人經常合作，而且因在 90 年代製作非常進取的音樂錄影帶而聞名。我透過樂團 The Horrors 發現他的作品，他為歌曲《Sheena Is a Parasite》做了這個驚人的影像，我從未如此感動，如此有攻擊性像在直接對我靈魂說話。而且他的創作過程總是透過某種聯覺方法，聆聽要做音樂錄影帶的歌曲，並將音樂的每一個位元與一個圖像相關聯，令成果與聲音完全一致。我很想和他製作與我的品牌相關的作品。
你是否將情感脆弱用作時尚敘述的工具？
當我在製作系列時，總是將設計回到我的核心情緒，無論是對世界政治議題的反應，或者是作為正在老去的同性戀者的感受。這些感覺絕對被投放進我的作品。你可以慢慢建構出代表那個隱喻的資料蒐集，但如果我領導一個團隊並關注著當中發展，最終我需要引導他們去需要去的地方，這些核心起點就像是系列的北極星。雖然我們都是不同的人，但我們都是人類，都能產生共鳴。我們都會有像悲傷或憤怒或熱情，或者興奮的感覺，從而對其他人如何感覺某些東西感興趣，學習並身同感受。這就是為什麼大家喜歡看電影或讀書，即使不是同樣的故事或經驗，但總有某種能在情感層面產生共鳴的東西。
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