香港設計中心 (Hong Kong Design Centre, HKDC) 與意大利國家時裝商會(Camera Nazionale della Moda Italiana, CNMI) 於今屆「香港時裝薈」聯手推出的重點展覽「共織新意：意大利與香港男裝新浪潮」，將焦點鎖定於一場席捲未來的男裝轉型浪潮。
A New Thread
來自港意兩地的十組新銳設計力量在此交匯，以全新的文化視角打破既定框架與傳統界限，展開一場關於工藝細節、當代穿著自由與未來可能性的跨地區對話。
ÆNRMÒUS
ÆNRMÒUS 將「匿名性」置於品牌核心，讓服裝與創作過程取代個人形象成為焦點。當初為何會有這種方向？
對我們而言，匿名並不是隱藏身份，而是希望把更多空間留給作品本身。在社交媒體主導的時代，我們希望觀眾首先接觸的是服裝、影像、物料和背後的故事，而不是由某一個人的身份去定義品牌。「匿名性」 亦令 ÆNRMÒUS 不只代表一位設計師，而是一個可以容納不同創作者、穿著者和觀點的共同世界。
模組化、可拆卸結構、不對稱與層次感都是 ÆNRMÒUS 的重要設計語彙。你們如何確保這些設計不只帶來視覺複雜性，也能回應穿著者在日常中的真實需要？
每一個結構都需要有存在的原因。例如可拆卸和模組化設計可以讓穿著者按照天氣、場合和個人習慣調整服裝；不對稱與層次則用來重新分配重量、活動空間和收納功能。在設計過程中，我們會反覆試穿，觀察衣服在行走、坐下和活動時的狀態，確保作品在視覺上具實驗性，但穿著者仍然可以直覺地理解和使用它。
能否分享一下最新系列的創作理念與背後的靈感故事？
最新系列的靈感源自 Monet’s Garden，並融合中世紀寫實繪畫中豐富、濃厚而帶有時間感的色彩，放進ÆNRMÒUS 原有的故事時間線進行拆解與重組。今次亦與藝術家 Kinyan Lam 合作，將其手工製作的花瓣與獨特的遮蔽技法運用在服裝之上，使色彩在面料上被覆蓋、保留並逐層顯現，呈現一個在崩塌之後重新生長的世界。
在本次《Future Threads》展覽所提出的意大利與香港男裝對話中，你們希望觀眾如何理解對當代男裝設計的演繹?
我們希望觀眾看見當代男裝已經不再需要被單一的身體、氣質或性別形象所限制。男裝可以堅硬，也可以細膩；可以具有保護性，同時保留情感和流動性。意大利深厚的工藝與香港在文化交錯、城市密度中形成的敏捷設計在同一空間對話，我們希望呈現傳統如何被重新閱讀，並發展成屬於當下的新語言。
DOMENICO OREFICE
出生於以裁縫工藝聞名的拿坡里，並在以皮革工藝著稱的佛羅倫斯工作。這兩座城市如何塑造了你？
拿坡里賦予了我與服裝之間極具情感的連結，那裡有深厚的文化，但同時也有非常個人化的穿著方式，人們充滿個性，且不害怕展現出來，在那裡長大教會了我將服裝視為與身份，態度及日常生活息息相關的事物。佛羅倫斯則教導了我精確裁縫與工藝的重要性。在佛羅倫斯工作，讓我得以深入了解面料、結構以及與工匠緊密合作的價值。我認為本品牌正源於這兩個世界的張力：拿坡里賦予我情感，而佛羅倫斯則給予我將這份情感轉化為精準作品的工具。
系列作品經常將剪裁工藝與運動服飾互相碰撞。當開始創作一件新作品時，如何平衡剪裁的結構與技術面料的功能？
我不再將它們視為對立的語言。對我而言，男裝與運動裝是可以互相對話的。我通常從輪廓以及我希望身體如何移動開始構思。接著我會思考，哪些剪裁技巧能給予服裝結構，而哪些技術元素又能賦予它自由度與功能性。有時剪裁結構會變得更加柔和，有時技術服裝的構造又近乎於一件精密的裁縫作品。最重要的是最終呈現的結果不能像是兩者之間的妥協，它必須融合成一種全新的語言。
最新系列核心概念與背後的靈感故事？
最新系列《HABITAT》源於一個非常個人的問題：家對我們意味著什麼，以及我們長大的地方如何成為我們身份的一部分？我重新回顧了童年在拿坡里的記憶，以及家中圍繞著我的物品、質感、家具、布料、圖案、日常儀式——這些因為太過熟悉而通常不可見的細節。我將這些記憶轉化為服裝。這個系列變得更加柔和與私密，擁有放鬆的輪廓、流動的體感，以及纖維工藝與運動服之間的對話，作品中還融入了對居家質感與色彩的致敬，並帶有條紋、花卉和紅色的點綴。《HABITAT》的核心在於歸屬感。家是一個你居住其中的場所，我希望服裝也具備同樣的特質：它們應該是可以讓人「居住」其中的品質，而不僅僅是用來看的物件。
《Future Threads》展覽提出了意大利與香港男裝之間的對話，最希望作品向觀眾傳達什麼訊息？
我想表達的是，男裝的未來不需要只有一種定義。意大利擁有令人難以置信的工藝與悠久歷史，而香港則有其獨特的活力、速度以及與當代文化的連結。我認為當這些不同的視角碰撞時，最有趣的事情就會發生，而不是其中一方試圖主導另一方。透過 DOMENICO OREFICE，我想呈現意大利時尚可以在尊重其傳統的同時，依然保持實驗性、科技感並對新想法持開放態度。未來不是在傳統與創新之間做出選擇，而是為它們找到共同存在的新方式。
GROSSI
GROSSI 透過剝離傳統的地位象徵來重塑經典意大利男裝。是什麼啟發了你將這些原型解構為更有流動感且具趣味性的事物？
時尚塑造著人們。而在這個過程中，它也在講述社會的故事。長久以來，男裝承載了太多與地位和權力相連的符號，這使得它被屈服在一種比女裝更遠離實驗性與個人表達的語言中。對我而言，男裝是一個起點：一個引入更接近實驗，自由與批判的詞彙的地方，運用男性特質本身的代碼講述那種處境。這種思考超越了傳統，同時閱讀其矛盾性，並以一定程度的諷刺將其展現。這就是我對男性世界的感受，也是我看待男性本身演進的方式。
將羊毛與人字紋等經典裁縫布料與意想不到的處理方式結合，例如橡膠塗層、雷射切割蕾絲與皮革效果飾面。這種觸感與質地對比在創作過程中有多重要？
實驗是一種有趣且有時極端的方式，去質疑領域的某些既定慣例。就像任何優秀的男裝一樣，觸感對優質產品來說是重要的，但對我來說，它不能凌駕於所創造出概念對比的意志之上。
能否分享最新系列背後的核心概念，以及啟發這些關鍵作品的故事？
本季(我的第一個夏季系列)的概念是「Afa」：城市裡沉重，令人窒息的熱氣，一種美得令人不適、招來汗水、讓衣服貼在皮膚上、使穿衣本身近乎折磨的熱度。從這個想法出發，我創作了混合不同布料的服裝，放棄了舒適感，但帶有強烈的對比感與不自然的搭配。我喜歡在同一件作品中轉移重量的想法。讓一件服裝的特性與 DNA 被另一件與之相反的作品所浸染。
《Future Threads》展覽提出了意大利與香港男裝之間的對話，最希望作品向觀眾傳達什麼訊息？
那就是男裝也可以擁有文化性的方法，建立於文化與實驗性的想法之上，而不僅僅是一件讓我們感到更好或更優雅的精緻服裝，而是一種隨時準備好進行實驗與自我顛覆的「意大利製造」態度。
MATERIA
MATERIA 的誕生與品牌哲學是什麼？
MATERIA 誕生於一個核心理念：設計應從真實出發，而不是源於對穿著者的抽象想像。品牌名稱精準地反映了這一點——「物質」(Matter)是真實可感的，同時又孕育著無限轉化的可能。對我而言，這也是身體與設計過程本身的隱喻。每個人都有不同的需求、輪廓與特徵，而設計的角色是去擁抱並運用這些差異，而非將其抹去。MATERIA 從人出發，並將它們轉化為全新的美學語言。
包容性設計(Inclusive Design)如何改變了你的創作流程？
這徹底改變了我創作流程的起點。在思考「這件衣服應該長怎樣？」之前，我會先問自己：「這是為誰而設計？他們會如何移動？如何穿上？可能會遇到什麼困難？」由此衍生出了更直覺的開口、隱藏飾面、更易使用的拉鍊頭，可調節系統，以及重新對不同活動能力所設計的構造。功能不再是最後才添加的附加物，而是成為服裝本身身份不可或缺的一部分。對我來說，自主性是最重要的自由形式之一，即使是像穿衣服這樣簡單的日常動作，也應該去強化這份自由與獨立。
最新系列與主題《LIMEN》的核心概念與靈感來源是？
MATERIA 的研究圍繞著《LIMEN》(拉丁文「門檻」)的概念展開。這是一份對身體、物質與可能性之邊界的回應：亦即一個限制如何能成為設計新事物的起點。服裝透過天然與科技材料、適應性結構、磁吸開口、工程對應調節系統以及點字等無障礙細節來傳遞這個想法。我對原始物質與極致創新事物之間的對比非常感興趣：讓原始質感、身體、岩石與高科技、精確度及轉化進行深度對話。
在這場《Future Threads》展覽中，最想表達什麼？
我希望傳達的訊息是：最意義非凡的創新，始於我們開始為真實的差異進行設計。意大利與香港雖然有著不同的文化、規模與步調，但兩者都與生產、科技和轉化保持著強烈的連結。我不認為時尚的未來應該只有單一的美學或方向，我相信它應該變得更加開放，更有適應性，並更身臨其境地考量我們正在為之設計的人們。對 MATERIA 而言，未來並不單純意味著在衣服上添加科技，而是運用設計與科技賦予人們更多的自主性、可能性以及表達自我的自由。
MTL STUDIO
品牌 DNA 是如何結合意大利鄉村生活與國際城市的經驗？
MTL STUDIO 是一個「意大利製造」品牌，因此它深深植根於在地工藝，並完全透過在地工藝生產。我出生在一個只有 800 人的小村莊，那個背景是我希望透過品牌傳達的重要部分: 一個小鄉村社區真實生活的肖像，透過我從童年至今的個人經歷進行過濾。這真的是 MTL STUDIO 的 DNA。
它始於我在祖父衣櫥裡發現的裁縫精緻與優雅，但隨後受到我搬到柏林與阿姆斯特丹等城市後所遇到的街頭影響與經歷的塑造。我將該品牌視為這兩個世界之間的交會點:我來自的地方的工藝與傳統，以及我在國外發現的更具自發性、當代的能量。正是這種對比賦予了 MTL STUDIO 它的獨特身份。對我來說，解構西裝是關於玩轉體量與比例，讓它們更為寬鬆，同時專注於賦予每件服裝自己獨特身份的小細節。我經常使用傳統上不屬於正裝的布料，選擇對於這種服裝類型來說顯得意想不到的材料。例如，我可能會使用輕盈、清爽的府綢棉(cotton poplin) 來打造一件解構外套，將通常與襯衫聯繫在一起的布料放在一個完全不同的語境中。我也喜歡在同一件服裝中玩轉色彩，結合兩種不同的色彩深度來打破傳統西裝的觀念。這些是我用來讓裁縫工藝感覺更自然、更輕鬆的元素——保留其結構與工藝，但賦予其更放鬆、自發且當代的態度。
SS27 春夏系列《Un’estate al mare》的靈感來源是什麼?
SS27 系列《Un’estate al mare》背後的靈感來自於我童年在羅馬涅典型的夏日假期，以及電影
《Rimini Rimini》。它本質上是一個關於 1990 年代我童年某個時期的個人故事，透過服裝、色彩與記憶進行轉化。因為該系列植根於海濱場景，服裝自然演進為更輕盈、更透氣的材料(如府綢棉)，使其適合更溫暖的氣候，同時也賦予它們更放鬆與具包容性的特質——旨在供任何人穿著的服裝。該系列還採用了雙色服裝，帶入了受意大利度假勝地氛圍啟發的趣味元素。對我來說，色彩與對比成為表達這些地方的輕盈、 自發性與愉悅的一種方式，同時依然保持著定義 MTL STUDIO 的裁縫語言。
在這場《Future Threads》展覽中，最想表達什麼？
我想傳達一個非常精確的想法：MTL STUDIO 建立在傳統之上，但我並不認為傳統應該作為某種靜止或不可觸碰的事物而被保存。相反地，它應該被重新詮釋、被允許演進，並與不同的文化分享。對我來說，意大利與香港之間的對話就是這一點的完美例證。它展現了一個傳統如何能夠在保留其根源的同時，向新的視角、影響與思考方式敞開。我相信這種交流正是讓傳統保持生命力並成為當代事物的關鍵。
MURFI LAU
能描述一下 MURFI LAU 的核心美學嗎？你通常如何將古典剪裁、在地次文化與當代解構轉化為完整系列？
MURFI LAU的核心美學建立在「古典剪裁與當代解構的對話」之上。比起直接使用具體的東方符號，我更偏愛香港那種『混沌與曖昧』的獨特氛圍。因此，我的靈感往往來自不同時代的在地次文化，並嘗試將其與我習慣的歐式復古剪裁進行抽象的重組。轉化過程中，我會先從特定文化故事或復古版型出發進行結構解構，再將先鋒剪裁落實到日常單品中，透過調整機能物料與西裝結構的比例，確保系列兼具視覺張力與日常搭配性。
過往在高級剪裁、高端街頭服飾、技術供應鏈管理與獨立品牌等不同領域累積的經驗，如何共同形塑你如今的設計邏輯及營運品牌？
在設計層面，高級剪裁與高端街頭的雙重背景，讓我能用「解構」的視角去打破兩者界限，將傳統洋服的結構自然地寫入街頭服飾中。而在營運層面，過去在技術供應鏈管理的累積，則給了獨立品牌最需要的理性支撐，讓我明白好的創意必須有扎實工藝與流暢生產網絡來落實。這種跨領域經驗讓我能一邊進行美學試驗，一邊用務實的供應鏈邏輯去建立品牌的根基。
能否分享一下最新系列《Faust of Victoria》 的創作理念與背後的故事？
本季主題是 Faust of Victoria (身處維多利亞港的浮士德)。「浮士德」在文學中象徵著關於抉擇、追求與代價的拉扯，這與香港這座城市的歷史軌跡有著深刻共鳴。在結構與面料上，我們將十七、十八世紀的古典男裝，與當代商務西裝的剪裁與物料進行錯位重組，透過「扭曲」、「溶解」與「聚合」的解構手法，打破常規線條，呈現一種不協調卻充滿張力的輪廓，藉此探討當代人在文化交匯與時代變遷中尋找自我與蛻變的精神輪廓。
本次《Future Threads》展覽談及意大利與香港男裝設計交流，你最希望 MURFI LAU 的作品能帶給觀眾怎樣的訊息及討論？
意大利設計師的創作本質根植於深厚的傳統與克制的優雅，擅長在完美的「秩序」中提煉細節；而香港設計師則是在「混沌」中尋找張力與叛逆實驗性。但兩者在本質上都有著對頂尖工藝 (Craftsmanship)的敬畏。我希望觀眾能透過這個展覽去討論：當西方的傳統秩序遇上香港獨立設計師的實驗性時，男裝的邊界能被推到多遠？
PONDER.ER
PONDER.ER 以「Liquifying Masculinity」描述品牌對男性氣質的思考。當這個概念落在一件衣服上時，你希望它能打破哪些關於男裝的既定想像？
很多時候，當男生展現出自己感性與柔和的一面，或是表現出不在傳統男性框架內的偏好(例如粉紅色、貼身透視的衣服等)，往往會遭到外界排斥，甚至被冠上不友善的標籤。我們認為，男性和任何性別一樣，都擁有許多不同的面向，理應被允許以更多元的方式來呈現自己，這正是我們品牌的出發點。PONDER.ER 的衣服並不是要把女裝穿在男生身上，而是希望更多人能忠於探索自我的過程；特別是對於我們的男性觀眾來說，能夠自信地表達自己，並在適當的時候展現脆弱，才是現代男性真正的「剛強」。
你們如何在柔軟、流動的元素與服裝結構之間取得平衡，從而打造出 PONDER.ER 標誌性的輪廓？
PONDER.ER 的許多服裝都是從最基本的版型出發，例如大家日常衣櫃裡常見的單品：牛仔褲、白襯衫、風衣等。但我們透過獨特的工藝(例如縮摺 /Smocking)去重新定義它們原本的樣貌，同時也賦予衣服更多的彈性與可能性，讓不同性別、個性和身形的人穿上後，都能穿出屬於自己的獨特風格。
能否分享一下最新系列的創作理念與背後的靈感故事？這個季度你們嘗試了哪些新的主題或探索方向？
SS27 系列《LOOSE ENDS》的靈感，源自城市中線條交織而成的交響曲——從糾結的電纜、重疊錯落的建築，到大自然原始而有機的筆觸。事實上，服裝本身也是由無數紗線交織而成、具備豐富觸感的面料質感。我們在設計中融入了許多線條交錯的元素，這同時也象徵著抽象思維的沉思與探索過程(Pondering)。
本次《Future Threads》展覽透過推動兩地男裝設計的對話，帶領觀眾重新想像香港男裝，你最希望他們從 PONDER.ER 的作品中感受怎樣的訊息或思考？
希望更多觀眾能以更開放的心態來看待男裝，並能重新探索與理解對「男性氣質」(Masculinity)的定義。
THE WORLD IS YOUR OYSTER
品牌名稱「THE WORLD IS YOUR OYSTER」 帶有開放、可能性與探索的意味。隨著品牌發展至今，這個名字如何繼續指引你們對時裝的想像與創作方向？
“THE WORLD IS YOUR OYSTER” 一直提醒我們，時裝不應該有既定的框架或邊界。這個名字賦予了我們一種無畏的探索精神——去打破傳統男裝既定的規則和制服感的刻板印象。我們喜歡打破經典的沉悶，透過當代而趣味的剪裁與細節去重新解構它。我們希望服裝是每個人去探索自我、表達態度的工具。更希望衣物真正融入日常生活，成為實穿又充滿個性的日常必需品。
能否分享一下最新系列的創作理念與背後的靈感故事？這個季度你們嘗試了哪些新的主題探索方向？
SS27 最新系列以法國文學經典及其同名電影《Bonjour Tristesse》(你好，憂愁)為靈感，希望能把一種隨性的度假感融入日常的城市衣櫥。這次我們大量使用了真絲、麻質與純棉等自然面料，並首次嘗試植物染工藝，希望能帶出一種極具呼吸感、自然慵懶的氛圍。
對你們而言，「復古」是一種回顧過去的方式， 還是拿來挑戰當代男裝常規的工具 ?
對我們來說，「復古」絕對不是懷舊或單純的回顧過去，而是我們用來挑戰當代男裝常規的有力工具。我們喜歡把經典的輪廓和過去的元素拆解開來，透過拼貼和當代細節重新組合。把大家熟悉的「經典」注入現代的 “language” 裡，產生一種有趣的衝突感，打破過往傳統男裝一成不變的規則和刻板印象。
在這個聚焦意大利與香港的新世代男裝展覽中，你們最希望觀眾從 THE WORLD IS YOUR OYSTER 的作品中感受怎樣的訊息或思考？
這次展覽能讓觀眾看到不同設計師對現代男裝的各種想像。對我們來說，最希望觀眾能在 THE WORLD IS YOUR OYSTER 的作品裡，感受到一種「剛中帶柔」的平衡與可能性。
VICTOR-HART
是什麼驅使您創立了 VICTOR-HART ?
在進入時尚界之前，我的背景是繪畫與雕塑，所以我已經對身體、材料與形式之間的關係感興趣。當我從迦納搬到意大利時，我發現自己處於兩種非常不同但同樣強大的創作文化之間。我不想在它們之間做選擇。我想創造一個空間，讓迦納的傳承、意大利的工藝以及我作為藝術家的背景可以共同存在。那就是 VICTOR-HART。這不僅僅是關於做衣服；這是關於透過服裝建立一種身份，並展現不同的文化歷史可以交融，而不必其中一方消失在另一方之中。
實用的功能性細節與更柔和的剪裁如何相互配合，從而提升服裝並超越傳統的制服觀念？
我對制服很著迷，因為它們最初是被設計來傳達功能、權威與歸屬感的。但我喜歡破壞那些代碼。我可以拿工作服的口袋、結構或耐用性，將其與更柔和的肩線、誇張的比例、流動的體量或雕塑感的結構相結合。那種張力對 VICTOR-HART 非常重要。功能性給予服裝目的，而更柔和且更具表達力的輪廓則給予穿著者自由。它不再是一件告訴你你應該是誰的制服，而是變成了一件讓你決定自己想成為誰的服裝。對我來說，那是一種當代形式的奢華:沒有限制的功能，以及沒有僵硬感的手工藝。
丹寧是連結不同文化的面料。你如何將丹寧作為一種「丹寧外交」(Denim Diplomacy)的形式，來連接意大利工藝、非洲傳統與全球街頭文化語言？
「丹寧外交」是關於使用一種每個人都理解的材料來開啟文化之間的對話。丹寧並不專屬於某個國家、階級或世代。它跨越了工作服、叛逆、音樂、街頭文化與奢華。那種通用性給了我一個非常有趣的畫布。我拿那種熟悉的材料，透過我在意大利開發的精確度與工藝進行重構，同時帶入來自我的迦納傳承的資源利用、身份與敘事。然後是全球街頭文化的語言，丹寧在那裡已經感覺到民主與直接。因此，「丹寧外交」不僅僅是一個系列的名稱。它是服裝可以成為會合點的想法。不同的歷史可以存在於同一件作品中，並在不失去其來源的情況下創造一種新語言。
在這場《Future Threads》展覽中，最想表達什麼？
我希望他們離開時能理解男裝的未來不屬於單一地理、單一文化或單一的男性特質定義。我們正在進入一個這些界限變得越來越有流動感的時期。一件服裝可以承載迦納傳承、透過意大利工藝構建、在香港展 出，但依然能與世界上任何地方的人對話。對我來說，那就是 Future Threads 所代表的。未來不是關於抹去文化差異來創造某種全球化的東西。它是關於讓那些差異相遇、相互挑戰並創造出新的事物。我希望 VICTOR-HART 成為那個未來的一部分——一種具有雕塑感、負責任、具文化意識且擺脫傳統限制的男裝語言，同時依然尊重將我們帶到這裡的工藝與歷史。
WILSONKAKI
WILSONKAKI 的創作常從日常生活中很微小事情出發。你如何辨認一 個平凡瞬間具有潛力成為設計的起點或靈感？
我通常不會刻意去尋找靈感。反而是一些日常中很細微、甚至有點不完美 的東西，會令我突然有感覺。可能是一件衣服穿在身上的方式、一個人的動作，或者生活中一些不經意的細節。當一個畫面讓我覺得有趣，我就會開始想：「如果把它放大，或者用另一種方式去呈現，會變成什麼？」對我來說，設計很多時就是從日常生活中這些很小的觀察慢慢發展出來。
在設計過程，你是如何在實用性、幽默感與視覺實驗之間取得平衡?
我覺得這三樣東西其實不一定要分開，但是所設計的衣服最後還是要可穿性高。磁性閉合這個設計原本就是從「失誤」這種日常狀態出發，但我不想讓這個靈感轉化為純粹一個視覺上的 gimmick，而是真的可以改變穿著方式，所以我們會不斷測試和改良我們設計和功能，讓它除有一點幽默感，同時帶有功能性又自然地融入日常。
你的作品常帶有可互動性或多種穿搭方式。你如何看待「穿著者」在你的設計中所扮演的角色？
我希望穿著者不是被動地「完成」我的設計，我覺得一件衣服真正穿上身之後，它應該可以有自己的變化。不同的人、不同的身體、不同的衣服尺寸、不同的穿法，都可能產生不同的結果。所以我會刻意保留一些空間，讓穿著者可以探索我的設計，而不是所有東西都由我預先決定。
在這個聚焦意大利與香港的新世代男裝展覽《Future Threads》中，你希望觀眾從 WILSONKAKI 的作品中感受怎樣的訊息或思考？
我希望大家看到WILSONKAKI的衣服時，不只是看到一件「男裝」，而是重新想一想衣服與人的關係。男裝不一定要有一個固定的款式和顏色，穿衣服也不一定要按照既定的方法。對我來說，最有趣的是當一個人穿上衣服之後，可以用自己的方式去理解和使用它，這種自由和可能性，我覺得就是 WILSONKAKI 想帶出的東西。
Rainy Chan / Executive Director, HKDC
《Future Threads》聚焦亞洲市場長期偏重女裝的空白，把香港設計師與意大利新一代男裝設計師並置。從香港設計中心的角度，這個展覽最希望讓觀眾看見香港男裝中的哪些特質？
香港設計師成長於東西文化交匯的環境，對文化、潮流和市場變化都非常敏銳。我們希望透過展覽呈現香港男裝多元、靈活和勇於突破傳統框架的一面，讓大家看到香港設計師如何建立屬於自己的當代男裝語言。
這次展覽將於銅鑼灣 Fashion Walk 舉行，置於日常城市生活和零售環境之中。你如何看待這個場地對觀眾接觸設計、理解男裝與參與展覽的影響？
設計不應只存在於展覽館內。Fashion Walk 位處日常城市和零售環境，讓公眾可以很自然地「遇見」設計。我們希望降低欣賞設計的門檻，讓更多人從一件衣服開始，了解背後的創意、文化和工藝。
你認為這兩地的設計師在這次合作中，能從彼此身上學到什麼？
意大利擁有深厚的工藝和製造傳統，香港則擅長快速回應市場、跨文化思考和創新。我們希望這是一場雙向交流，讓雙方從不同的設計文化中得到啟發，甚至碰撞出新的可能。
本次展覽討論了文化、材質與永續等議題。你希望觀眾離開展場後，對「當代男裝」或設計本身產生哪一個新的想法？
我們希望大家看到，男裝並沒有固定答案。今天的男裝可以討論身份、文化、材質、工藝和永續等不同議題。設計也不只是「好不好看」，而是反映我們如何生活，以及我們希望未來如何生活。
Carlo Capasa / Chairman, CNMI
《Future Threads》並沒有為男裝的未來下單一定義。為什麼這座展覽選擇抱持多元、甚至有時相互對比的創意方向？
男裝的未來無法由單一的美學或方向來定義。當今的時尚反映了不同的身份、文化以及理解創意的思維方式，而我相信這種「多元性」正是其最大的優勢之一。五位來自意大利與五位來自香港的設計師各自帶來了獨特的視野，證明了創新往往正是在不同創意語言的碰撞中誕生。這座展覽並非試圖預測某一種未來，而是探索男裝無數種可能的未來。
展覽將意大利與香港設計師置於同一空間，卻未將其中一方作為另一方的參照基準。這種平等的策展框架，你希望能促成怎樣的交流？
這是本計畫的核心精神。我們希望在兩個創意社群之間建立真誠的對話，而非樹立階級制度或透過一方的視角來呈現另一方。意大利與香港擁有不同的歷史、文化和時尚生態系統，而這恰恰是使這場交流如此迷人之處。透過在平等的基礎上聚集這些設計師，我們希望能激發好奇心、促進相互學習，並建立起能延續至展覽之外的新連結。國際化不應只是將一個時尚體系帶入另一個市場，而是應該創造交流與相互豐盈的契機。
參展的意大利設計師不僅展現了著名的意式工藝，還呈現了前衛技術與新穎概念。展覽希望如何刷新大眾對「Made in Italy」的既有認知？
在國際上，「Made in Italy」 往往與工藝、品質及傳統底蘊連結在一起，這些也依然是根本價值。但「Made in Italy」同時也代表著研究、實驗、創新以及不斷進化的能力。在《Future Threads》中展出的設計師完美詮釋了這種當代維度：他們尊重並理解我們的文化遺產，同時開展新語言，並探索設計的新技術與新思維。我們希望國際觀眾將「Made in Italy」視為一個持續改變並孕育新靈感的活生生生態系統，而不僅僅是一份珍貴的歷史遺產。
大多數參展品牌代表著新一代的天賦才華。從策展與機構的角度來看，當今獨立設計師面臨的核心機遇與挑戰是什麼？本展覽如何為他們提供支持？
當今的獨立設計師正處於一個非常複雜的環境中。他們擁有了前所未有的全球傳播機遇，能夠發展出鮮明的品牌個性;但與此同時，他們在資源、生產、通路和國際能見度方面也面臨著重大挑戰。單憑天賦往往是不夠的;年輕設計師需要獲取網絡資源、專業知識與契機，才能將他們的創意轉化為永續經營的商業模式。支持新世代是CNMI的首要任務之一，而像《Future Threads》這樣的計畫至關重要，因為它們為設計師提供了國際平台，將作品介紹給新的受眾，並與不同的創意及商業生態系統建立連結。
